Para terminar el año os dejo aquí esta maravilla realizada por Carlo Vogele como trabajo de graduación para la escuela francesa Gobelins. El angelito ya está trabajando en Pixar, y con trabajos como este, no me extraña en absoluto.



¡El último post de año es Wurst!


Visto en Animation Nation

Cuando uno se encuentra con un trabajo tan distinto como este, tanto en lo conceptual, como en la técnica empleada, se vuelve consciente de las infinitas posibilidades de la animación. Y la verdad es que mola mucho cuando hay gente que se atreve con cosas como esta. Wurst es grotesco por momentos, pero sobre todo es un trabajo extremadamente creativo.

Os comparto un making of del proyecto. La verdad es que no tiene ningún desperdicio por lo curioso de las técnicas empleadas en el corto. Un buen derroche de imaginación hay aquí dentro, sí señor.







La semana pasada tuve la oportunidad de ver en el cine la peli Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo, y la verdad es que la sensación con la que salí del cine fue bastante buena. Excepto un bajoncillo de ritmo que sentí por la mitad de la peli, el resto de la película me tuvo enganchadito y divertido.



Mortadelo y Filemón me parece un proyecto sinceramente complicado. De los que tienen muy poco que ganar, y mucho que perder. El tipo de humor y de historias están muy delimitadas por el propio estilo de Ibáñez, lo que supone un tope creativo en algunos aspectos. Todo el mundo conoce a Mortadelo y Filemón y todo el mundo espera una determinada historia. Todo lo que sea salirse de ahí son palos que te van a caer. Los personajes los conocemos casi como si los hubiésemos parido, lo que no deja lugar a que los personajes puedan tener ningún tipo de fisura. Todo el mundo sabe cómo se comporta Mortadelo y Filemón, ¡así que no la cagues Fesser!  En ese sentido la verdad es que la película me parece que lo clava. La película podrá gustar más o menos, pero la verdad es que me parece que es bastante honesta con la esencia del Mortadelo y Filemón de Ibáñez. Los aires de grandeza de unos agentes de un servicio secreto que es un querer y no poder en un país donde no pueden existir los héroes, porque eso es cosa de americanos y solo hay lugar para la cutrez más absoluta (en el mejor sentido de la palabra :)



Seguramente lo que me pareció más flojo de todo fue el personaje de Rompetechos, que aunque visualmente me ha parecido muy bien conseguido, la verdad es que me aburrió bastante. 



En lo que respecta a la realización, me gustaría poder hacer un segundo visionado para poder analizar la película con un poco más de calma, pero en general me pareció potente. Me puedo imaginar el cambio que para Javier Fesser ha tenido que suponer el paso del Mortadelo de acción real, con las limitaciones que la realidad conlleva, al campo de la animación, donde a nivel de realización las posibilidades son básicamente infinitas. Y en el universo de Mortadelo y Filemón este aspecto resulta decisivo. Precisamente por lo que comentaba más arriba, porque todos sabemos cómo funciona este universo, y cómo por ejemplo se demolería un edificio en Mortadelo y Filemón. Y es en este sentido donde yo sentía que las películas de acción real se encontraban a medio camino, y donde siento que ahora sí que ha llegado. 



El imaginario de Fesser mantiene cierto parecido con el de Mortadelo y Filemón, tanto desde un punto de vista narrativo como estético. Y en este sentido me parece que se ha juntado el hambre con las ganas de comer. Cuando ves El milagro de P.Tinto, Aquel ritmillo o El sedcleto de Tlompleta es imposible no ver algo de Mortadelo y Filemón




Sobre todo me ha gustado mucho de Mortadelo y Filemón ver una película con identidad cultural. Un aspecto tan denostado por la industria cultural absolutamente globalizada (americanizada mejor dicho) que tenemos. No voy a ser yo quien critique el cine americano, porque seguramente de mis 100 películas favoritas como mínimo la mitad son americanas. Sin embargo, me encanta cuando veo cine de otros sitios y reconozco su identidad. Es lo que me pasa por ejemplo con Wallace and Gromit al que dediqué un extenso post hace tiempo. Lo que más me gusta de estas historias es que son puñeteramente británicas, y eso las hace encantadoras. Pues con Mortadelo y Filemón me ocurre algo parecido, he encontrado sentido de identidad y eso me gusta. El aquello, los botijos, los motocarros, la cutrez... todo tiene ese regusto de cultura española que tan bien han reflejado directores como José Luis Cuerda o Berlanga. 


En conclusión, a pesar de las expectativas altas que tenía, la película no me ha defraudado en absoluto. Si bien es verdad, que tampoco me ha robado el corazón :) Lo que esperaba ver, lo he visto, y eso ya es mucho. Como dije al principio, me parece un proyecto con mucho más que perder que de ganar. Un buen trabajo en todos los sentidos con un presupuesto muy ajustado, alrededor de 10 millones de euros. Sobre todo comparándolo con el de la anterior producción de Ilion, Planet 51, que rondaba los 90 millones. 


Hay veces que la sencillez absoluta consigue mayor calidez que millonarias producciones. Este es el caso Hombre_McSteez, creado por Marty Cooper. A lo largo de todos estos años que llevo viendo animación y recopilando todo tipo de cosas en este blog, ha habido cortos, películas e historias que me han llegado mucho, como por ejemplo las piezas de BirdBox, el diseño de Headless o la plasticidad de la animación de Meinbender. Pero el trabajo de Marty Cooper realmente creo que es de las cosas más bonitas que he visto nunca en animación.


Que lo disfrutéis tanto como yo... :)






 
Compartido por Carlos Gollán


Para acabar os comparto un taller que Marty Cooper hace en el Adam Savage,s Workshop en el que podemos ver su dinámica de trabajo.

Os comparto otra genialidad de Adam Pasapane, más conocido como PES. Qué caña...





También os comparto su canal de youtube por si a alguien le interesa ver más cositas de él. Picha aquí.
Aquí va el segundo teaser de Inside Out, la nueva peli de Pixar.


Visto en Cartoon Brew

La peli la dirige Pete Docter (Monsters S.A y Up entre otras), lo cual no deja de ser una garantía, pero la verdad es que es una historia que me tiene un tanto desconcertado. Estoy deseando verla por ver qué me encuentro porque soy incapaz de predecir si me va a gustar o no. Pero bueno, ¡bienvenido sea el riesgo!

Descomunal el trabajo de iluminación de este corto realizado por los estudiantes de Supinfocon, Alejandro Díaz, Pierre Clenet, Romain Mazevet y Stéphane Paccolat.




Hay bastantes cosas interesantes en este trabajo, pero la cantidad de espacios y atmósferas distintas que hay en el corto hace que sea difícil fijarse en algo más.



























Aquí tenéis un primer trailer de la adaptación al cine de animación del clásico francés El Principito. La adaptación del guión ha sido realiada por Irena Brignull (coguionista en The Boxtrolls) y la película será dirigida por Mark Osborne (co-director de Kung Fu Panda).



Visto en Cartoon Brew


La película cuenta con un presupuesto más que interesante, 80 millones de euros, y se estrenará el 7 de octubre de 2015.
Últimamente he visionado bastantes videoclips de banda Gorillaz como referencia de animación en la búsqueda del estilo final que queremos para la serie Flying Squirrels, actualmente en preproducción. Me gusta la música de este grupo (mientras escribo he escrito este post he disfrutado de casi toda la discografía :), pero sobre todo me gusta Gorillaz por el genial universo que hay a su alrededor. Es es mucho más que un grupo de música, es toda una ficción creada por Jamie Hewlett (co-creador del cómic Tank Girl) y Damon Albarn (vocalista de Blur).



La historia cuenta que Murdoc asaltó la tienda de pianos donde trabajaba Stuart Port (más conocido como 2-D), lo que le hizo perder un ojo. Murdoc tuvo que hacerse cargo de Stuart hasta que en otra de sus idioteces, tuvieron un accidente con el coche haciéndole perder el otro ojo y bautizándose finalmente con el nombre de 2-D. Murdoc reconoce el talento maravilloso de 2-D para la música y decide fundar una banda junto con él, Russel a la batería y Noodle, la guitarrista que llega de Japón en un paquete de FedEx. Es así como nace el primer disco de Gorillaz en el año 2001 con un sonido ecléctico y novedoso.



Portada del primer disco de Gorillaz, titulado con el mismo nombre


La quinta canción del disco es Clint Eastwood, el debút de 2-D (Damon Albarn) como vocalista del grupo suena (y se ve) tal que así.



Esta mezcla de personajes planos con fondos volumétricos es algo que me cautivó en cuanto vi este videoclip, y sin duda ha sido una de las señas de identidad del estilo visual de Gorillaz. Hoy en día tenemos la serie El asombroso mundo de Gumball y tantos otros ejemplos, que juega con este contraste; pero para mí en aquel momento esto fue la bomba.

Después de un parón tras el éxito de su primer disco, la banda vuelve a reunirse en los estudios Kong para crear el Damon Days, su segundo disco. Y vaya disco.



En la introducción se nos muestran una serie flashes que anticipan parte de lo que nos encontraremos: Noodle en una misteriosa isla volante con un molino, explosiones, actuaciones en directo y todo acompañado de un sonido bien enigmático. Realmente dan ganitas de verse los 53 minutitos que dura el disco. Sí, digo verse porque los discos de Gorillaz se visionan (además de escucharse). Las canciones están acompañadas de forma íntegra por distintos trabajos audiovisuales, la mayoría de animación pero también hay bastante videoarte; y que tienen una unidad y una función narrativa. Es viendo la imagen como uno entiende la historia de Gorillaz y puede sacarle todo el jugo a esta obra de arte. ¿Qué es esa isla voladora? ¿Qué hace Noodle en ella? ¿Por qué la atacan? Alguna respuesta a estas preguntas están en El Mañana.



A mí particularmente este trabajo me parece impresionante. Se mantiene ese look que mezcla el aspecto plano de los personajes con el volumen (incluso realismo) de los fondos, helicópteros, etc; así como ese estilo de animación tan estilizado y ligero en el que los personajes casi flotan. Sin embargo, la factura del vídeo está lejos del rollo underground del primer álbum. Esa historia de la isla voladora y ese acabado tan preciosista parece más una peli de Miyazaki que otra cosa. El tema del molino es una constante en el disco y también aparece en Feel Good, uno de los sencillos que aparecen en el Damon Days, y que es otra maravilla musical y visual.



Dirty Harry fue otra de las canciones más populares de este disco, y aquí Gorillaz integra la animación con imagen real. Esta gente no le teme a nada.



Tras la aventura en la misteriosa isla voladora, y sin saber qué es de Noodle  tras el ataque de los helicópteros enviados por el gobierno japonés para acabar con ella (tal y como se ve en el vídeo de El mañana), Gorillaz llegan en su nuevo álbum a la Plastic Beach. El disco fue lanzado en el año 2010.



En este disco encontramos la canción On melacholy Hill, que es para volverse loco. Un derroche de fantasía que cuenta la historia del ataque con un estilo visual que sigue evolucionando: la Cyborg Noodle es 3D, con lo que rompemos el estilo plano de los Gorillaz hacia un look más... ¿actual??





Y entonces llegamos a Stylo... un currazo de integración realmente genial.




Otro de los vídeos que dio mucho que hablar fue Do ya thing, estrenado en 2012 como una promoción que la banda hizo para la marca de zapatillas Converse. A partir del vídeo los foros se dispararon especulando acerca de sí Gorillaz había salido de la Plastic Beach para volver a Londres.



Hoy en día que se habla tanto de proyectos transmedia y multiplataforma, que parece que sin los cuales no hay vida... pues Gorillaz es un ejemplo de proyecto transmedia en estado puro. Una banda virtual que ofrece entrevistas, da conciertos, se separan por sus problemas personales y se vuelven a reunir para grabar nuevos discos. Hewlet y Albarn se han creado una vida paralela que tienen que alimentar a base de historias, juegos, animación, musica y, por supuesto, conciertos.


La banda virtual se las ha ingeniado de varias formas para aparecer en directo, ya sea a través de pantallas u hologramas y con los músicos reales tocando en un discreto segundo plano tras el escenario y cediendo todo el protagonismo, la emoción y la calidez del directo a una ficción, que ha sabido conectar con el público de una forma increíble. Es dificil de creer que los personajes de Gorillaz no sean reales.

 Aquí tenemos esta versión del Feel Good tocada en los Grammy´s 2006 en la que comparte escenario con Madonna.







Después de mucha especulación sobre si Gorillaz sacaría un nuevo disco, Damon Albarn despejó las dudas. ¡Lo habrá y será lanzado en 2016!
Resulta mágico que algo tan horrible como una guerra se pueda representar de forma tan bonita. Muy buena mano la de Pierre Ducos y Bertrand Bay para dirigir este estupendo corto cargado de mensaje y con una animación realmente buena.
 
 
 


Visto en Animation Nation
Muy bonito este trabajo realizado por el ilustrador francés Adrien Morigeau para la canción Cecelia and Her Selfhood de la banda irlandesa Villagers.




 


Compartido por Karina Letelier
El spin-off de los simpáticos personajes de la peli de Gru se estrenará el 10 de julio de 2015.



Si es que hay que quererlos...



Compartido por Javier de Manuel
Ambition es el último corto de Tomek Baginski, más conocido por sus trabajos de animación (Fallen Art o The Catheldral), pero que esta vez se ha mojado con la acción real.






 Visto en CGmeetup

 Os comparto también algunos comentarios del equipo de Ambition acerca del trabajo realizado en el cortometraje.

Impresionante la animación de este videoclip dirigido por Juanjo Guarnido (Blacksad) para la banda Freak Kitchen.




Visto en Arte y Animación
The hidden Life of burrowing Owl es un corto dirgido por Mike Roush y que resulta un colage de lo más interesante. 



La animación está realizada en Flash, mientras que los fondos son el resultado de componer diferentes fotografías hasta conseguir la composición deseada. El resultado, genial. Y la historia, aún más.


Visto en Cartoon Brew

Si queréis conocer un poquito más acerca del corto y su proceso de trabajo, podéis hacerlo pinchando aquí.
Hace tiempo que los títulos de crédito dejaron de tratarse como un listado de nombres a granel y comenzaron a trabajarse como una especie de bonus track con la que poner la guinda a una película. En este sentido, Laika lo hace estupendamente y este es el resultado en su última película, The Boxtrolls,





Visto en Arte y Animación
Premier automne es una historia de vida y muerte dirigida por Carlos De Carvalho y Aude Danset.



Muy bonito este corto realizado por Iria López como trabajo de graduación en la National Film and Television School.



Jamón está realizado en animación tradicional y habla sobre la dificultad de un cerdo para ser él mismo.


Visto en Animation Nation
Hace un par de semanas estuve en el Visa pour l´Image, una exposición de fotografía que cada año se celebra en Perpignan durante el mes de septiembre. Muchas temáticas y fotografías interesantes, pero hubo una imagen que me encantó y que me inspiró a escribir este post. Es una fotografía en la que aparece Nelson Mandela, con su típico gesto triunfal, rodeado de una multitud.


¿Cuánta gente hay en esa foto? No lo sé, pero mucha. Y lo impresionante es que el ojo no tarda en identificar a Mandela ni una décima de segundo. Todo el resto de la masa pasa a un segundo plano muy discreto, como si de un fuera de foco se tratase para crear una conexión directa entre el protagonista de la foto y el espectador. El efecto es maravilloso, casi mágico. Y lo que lo hace posible, el contraste. Lo que diferencia a Mandela de todos los demás es que está mirando a cámara, y eso lo convierte en un auténtico imán para nuestra mirada.

El ojo humano tiende a detenerse en lo diferente. Si hay un elemento dentro del conjunto que contraste con el resto, la mirada se clavará en ese punto sin piedad.





Si podemos conseguir ya en fotografías efectos tan potentes, en el cine contamos, además, con el valor añadido del movimiento, que como veremos nos dará una ventaja con respecto a la imagen fija y nos permitirá generar efectos interesantes en lo que respecta a captar la la mirada del espectador.

Resulta muy interesante esta escena de Hotel Transylvania, especialmente el momento en que Johny mira al Conde Drácula. Pasamos de un Primer Plano de Johny a un Plango General del Conde que está completamente quieto, mientras todos los personajes a su alrededor corren en todas las direcciones. El efecto es claro, nuestra mirada se queda clavada en el elemento diferenciador: el Conde Drácula completamente inmóvil dentro de la masa alborotada que corre en todas las direcciones. Una forma de fijar la mirada por contraste de movimiento.

- Atención spoiler -




En el corto Umbrella sin embargo, el contraste viene a través del color. Los protagonistas de la historia, el paraguas azul y rojo destacan de la masa de paraguas negros de una forma tan visual como bonita e interesante. Un simple cambio de color puede distinguirte del resto del mundo.


Fotograma del cortometraje Umbrella - Disney Pixar


Fotograma del cortometraje Umbrella - Disney Pixar

Fotograma del cortometraje Umbrella - Disney Pixar


En Sin City, tanto en el cómic como en la peli, el contraste del color con el blanco y negro también es un buen ejemplo de esto.






Un maestro en esto de dirigir la mirada por contraste es Htichcock. Es un efecto muy recurrente dentro de su filmografía y realmente lo ejecuta de forma maravillosa. Yo voy a poner dos ejemplos que me encantaron cuando los vi y que nunca salen de mi cabeza.

El primero es de la película Extraños en el tren. Guy Haines, un famoso tenista, es chantajeado por, Bruno Antony, un extraño individuo que conoce en un tren. En esta escena, mientras Guy juega un partido de tenis, Bruno lo observa desde la grada. ¿Cómo destacar el personaje en particular dentro de una grada repleta de personas? Hitchcock lo hace así de bonito.



Hitchcock aprovecha la dinámica del juego del tenis para poner a todos los espectadores de la grada mirando a izquierda y derecha de plano siguiendo el movimiento de la pelota. Entre todas esas cabezas que giran de un lado a otro, nos encontramos la de Bruno, que mira fijamente a cámara. Cuando ves la película, sobrecoge por lo tenso de la escena.

El otro ejemplo que os quería poner es el de Vértigo, una de mis películas favoritas de Hitchcock. Es la escena de presentación de la protagonista de la peli, Madeleine, interpretado por Kim Novak. A diferencia de la escena de Extraños en un tren, ésta resulta mucho más sutil.



La cámara hace un paneo de derecha a izquierda por el restaurante, y finalmente se detiene en un punto a partir del cual hace un pequeño travelling hacia delante. Muy suave, y sin variar en exceso la composición inicial. El encuadre final es el siguiente.


El plano resulta bastante amplio y con muchos posibles elementos de distracción. Un par de mesas en primer término, el acompañante de Kim Novak en la escena, etc. Sin embargo, como espectadores no tenemos ninguna duda de cuál es el punto de interés en el plano, ese impresionante pelo rubio que contrasta con todo lo demás. Aquí el contraste no viene por el movimiento, como en el ejemplo anterior, sino por el color. Hitchcock se cuidó muy mucho de que ningun elemento ni personaje alrededor de la protagonista compitiera con ella. Todos son morenos y discretos. Y el fondo del restaurante resalta el dorado del pelo de Madeleine. A diferencia del ejemplo de Extraños en un tren, aquí el efecto del contraste es mucho más sutil, pero si veis nuevamente la escena, veréis que desde que aparece el personaje en plano, el ojo se queda con él. Es un efecto casi mágico. Tan efectivo como imperceptible.

En este post nos hemos centrado sobre todo en cómo dirigir la mirada por contraste, pero hay muchas otras formas de focalizar la mirada del espectador en el punto de la pantalla que deseemos: por el tamaño de los elementos, la profundidad de campo, la cercanía a la cámara, etc.

Os pongo algunos ejemplos.

- Regla de los tercios: es una técnica de composición que divide la imagen en nueve partes iguales, de forma que las zonas en las que las líneas se cruzan son las que mayor impacto visual.


Fotograma de la película El Gigante de hierro - Warner Bross

Fotograma de la película Wall.e - Disney Pixar


- Fuera de campo: es una muy buena solución para separar diferentes elementos dentro del encuadre. Por ejemplo, los personajes con respecto al fondo.

Fotograma de la película Mary & Max

O un personaje de otro. Tendemos a dirigir la mirada a aquello que es más sencillo de ver, por lo que un personaje en foco tendrá más peso en la composición que otro que esté desenfocado.

Fotograma de la película Indiana Jones, En busca del arca perdida - Paramount Pictures


- Tamaño: un gran maestro de esto fue Orson Welles, que se caracterizó por sus planos profundos y con mucha profundidad de campo. El tamaño de los elementos en este tipo de encuadres resulta muy importante dentro de la composición de la imagen.

Fotograma de la película Dementia


Fotograma de la película Cómo entrenar a tu dragón 2 - Dreamworks Animation


- Líneas de fuga: es muy interesante, especialmente para escenas profundas, el uso de las líneas que marcan el punto de fuga como guía para dirigir la mirada del espectador.

Fotograma de la película Toy Story - Disney- Pixar

Fotograma de la película Bienvenidos a Belleville- Les Amateurs, Production Champion


Fotograma de la película Los Tenembaums- Touchstone Pictures

Es muy interesante este recopilatorio que Kogonada ha realizado de multitud de ejemplos de películas en las que Stanley Kubrick marca el punto de fuga justo en el centro de la pantalla, como rasgo distintivo de su estilo de composición. Cada uno se obsesiona con lo que quiere :)




- Puesta en escena: la forma en la que disponemos los elementos o los personajes en un plano puede hacer que dirijamos nuestra mirada a un punto u otro. En las imágenes de abajo vemos una disposición triangular con Mr. Increible (imagen de arriba) y Sully (imagen de bajo) en la cúspide del triángulo.

Fotogama de la película Los Increíbles - Disney Pixar

Fotograma de la película Monster University - Disney Pixar

La simetría normalmente se asocia con imágenes aburridas y poco dinámicas. Sin embargo, también pueden reforzar efectos dramáticos de una forma maravillosa.

Fotograma de la película Ratatoille - Disney Pixar

O potenciar situaciones cómicas...

Fotograma de la película Bienvenidos a Belleville- Les Amateurs, Production Champion


- Iluminación: la iluminación de nuestro plano nos puede resultar muy útil a la hora de resaltar unos elementos sobre otros.

Fotogama de la película Brave - Disney Pixar

Fotograma de la película Ratatoille - Disney Pixar

Esta parte de la narrativa me parece tan interesante y creativa, como compleja. Hay una infinidad de formas de tratar de captar la atención del espectador para que mire la zona de la pantalla que en cada momento narra lo importante de la acción, y no se distraiga con elementos superfluos que le pueda llevar a perderse detalles importantes de la historia.